Imperdível! Caravaggio

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Queridos alunos!
Gostei muito das postagens de Artes e para a terceira etapa que começa aqui, vamos observar o seguinte:
*Não repetir reportagens postadas pelos colegas.
* Maior capricho na formatação dos textos.
* Não postar textos muito longos, que muitas vezes se tornam repetitivos.
Um grande abraço e boas pesquisas!
Vanessa

Fernand Léger- Giovana Diniz

Pintor francês

Fernand Léger

4 de fevereiro de 1881, Argenta (França)
17 de agosto de 1955, Gif-sur-Yvette (França)

Da Página 3 Pedagogia & Comunicação

Retratando máquinas e engrenagens, a obra de Léger celebra o progresso industrial

Fernand Léger nasceu em Argenta, Normandia, a 4 de fevereiro de 1881 e morreu em Gif-sur-Yvette, Seine-et-Oise, a 17 de agosto de 1955. Estudou arquitetura em Caen a partir de 1897, mudando-se para Paris em 1900. Em 1903 entrou para a Escola de Artes Decorativas, passando a freqüentar academias livres e a dedicar-se à pintura.

Léger se sente atraído por Cézanne, que afirmava poderem todas as figuras naturais se transformar em geométricas, ponto de partida do Cubismo. Por volta de 1910, Léger faz parte do grupo de intelectuais que haveriam de revolucionar a arte francesa: Apollinaire, Max Jacob, Blaise Cendrars, Reverdy, André Salmon e Robert Delaunay, principalmente.

Nesse período descobre ainda a pintura de Henri Rousseau e os primitivos, que o influenciarão. Destaca-se nessa fase sua tela "Nus na floresta", iniciada em 1909 e apresentada na exposição de 1911, no Salão dos Independentes.

Nesse quadro, como em "Mulher de azul", que marcam o apogeu da fase cubista do pintor, já se podem perceber as características pessoais, que o distinguem do movimento. Léger se preocupa mais com o aspecto sensorial do tema do que com a rigorosa análise cubista da relação espaço-objeto. Liga os objetos tubulares, geometricamente cortados, a elementos naturalistas do ambiente, através de formas ligeiramente arredondadas e amplas, cujas cores contrastantes lhes revelam o dinamismo.
 

A transformação

Convocado em 1914, Léger reconhece na Primeira Guerra Mundial a experiência máxima de sua vida. A descoberta, como diz ele próprio, do "povo francês" tem sobre o pintor profunda influência, o que bastou para fazê-lo esquecer a arte abstrata de 1912-1913. A partir dessa experiência até o fim da vida, Léger se destaca por uma integração homem-máquina que o distingue de qualquer outro pintor. Inventa uma vida plástica e colorida, partindo da precisão das máquinas e fazendo abstração do espaço. Sinais ferroviários, bielas e trilhos alternam em telas imensas com palhaços, bailarinas e operários.

Em meados da década de 1920, novamente impulsionado no rumo do não-figurativismo, Léger se encontra com Le Corbusier. A partir desse momento, a pintura mural será outra constante de sua obra. Durante a Segunda Guerra Mundial Léger vive nos EUA, descobrindo "a intensidade norte-americana". Algumas de suas obras mais importantes datam desse período. Um ano antes de morrer, o pintor completa "A grande parada", considerada a síntese de sua arte, monocromia cortada por faixas fortemente coloridas, ligando estranhas e poéticas figuras humanas.

Na opinião do crítico e historiador Giulio Carlo Argan, Léger "foi um admirador da pureza e simplicidade das imagens de Rousseau; foi um dos primeiros a se associar, em 1910, à pesquisa cubista; é, e se mantém por toda a vida, um homem do povo, um trabalhador que acredita cegamente na ideologia socialista, a qual ingenuamente associa ao mito do progresso industrial. Para ele, os objetos simbólico-emblemáticos da civilização moderna são as engrenagens, as tubagens, as máquinas, os operários da fábrica: sua finalidade é decorar, isto é, qualificar figurativamente o ambiente da vida com os símbolos do trabalho da mesma maneira que, antigamente, decorava-se a igreja com os símbolos da fé".
 

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Paul Cézanne- Giovana Diniz

Nome Completo 

Paul Cézanne

Quem foi

Paul Cézanne foi um importante pintor francês. É considerado um artista de transição entre o Impressionismo do final do século XIX e o Cubismo do início do século XX. É, portanto, um dos precursores da Arte Moderna.

Nascimento

Paul Cézanne nasceu na cidade de Aix-en-Provence (França) em 19 de janeiro de 1839.

Morte

Paul Cézanne morreu na cidade de Aix-en-Provence (França) em 22 de outubro de 1906.

Estilo Artístico (principais características):

- Valorização no uso das cores;

- Inovação no uso da perspectiva;

 - Variação entre sombra e luz;

- Composições fora do comum;

- Simplicidade de motivos;

- Uso de formas geométricas (principalmente na fase cubista).

Principais obras

 Maças e laranjas (1895-1900)

- Retrato de Louis-Auguste Cézanne, o pai do artista (1866)

- Paul Alexis lendo Émile Zola (1870)

- A alameda de Jos de Bouffan (1871)

- A casa do enforcado (1873)

- Autorretrato com um chapéu de palha (1875)

- O degelo em Fontainebleau (1879)

- A banhista (1885)

- As margens de Marne (1888)

- Os jogadores de Cartas (1892)

- Banhistas (1892)

- Les Grands Baigneuses (1894 1905)

- Maças e laranjas  (1895 - 1900)

- Uma velha com um rosário (1895 - 1896)

- Monte Saint-Victoire (1898)

Frases

- "A pintura deve nos dar o sabor da eternidade da natureza".

- "A arte tem uma harmonia que se assemelha a da natureza".

- "A cor é o lugar onde nosso cérebro eo universo se encontram".

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Artes! - Giovana Diniz

Cubismo   Definição Movimento artístico cuja origem remonta à Paris e a 1907, ano do célebre quadro de Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon. Considerado um divisor de águas na história da arte ocidental, o cubismo recusa a idéia de arte como imitação da natureza, afastando noções como perspectiva e modelagem, assim como qualquer tipo de efeito ilusório. "Não se imita aquilo que se quer criar", diz Georges Braque, outro expoente do movimento. A realidade plástica anunciada nas composições de Braque leva o crítico Louis Vauxcelles a falar em realidade construída com "cubos", no jornal Gil Blas, 1908, o que batiza a nova corrente. Cubos, volumes e planos geométricos entrecortados reconstroem formas que se apresentam, simultaneamente, em vários ângulos nas telas. O espaço do quadro - plano sobre o qual a realidade é recriada - rejeita distinções entre forma e fundo ou qualquer noção de profundidade. Nele, corpos, paisagens e, sobretudo, objetos como garrafas, instrumentos musicais e frutas têm sua estrutura cuidadosamente investigada nos trabalhos de Braque e Picasso, tão afinados em termos de projeto plástico que não é fácil distinguir as telas de um e de outro. Mesmo assim, nota-se uma ênfase de Braque nos elementos cromáticos e, de Picasso, em aspectos plásticos. A ruptura empreendida pelo cubismo encontra suas fontes primeiras na obra de Paul Cézanne - e em sua forma de construção de espaços por meio de volumes e da decomposição de planos - e também na arte africana, máscaras, fotografias e objetos. Alguns críticos chamam atenção para o débito do movimento em relação a Henri Rousseau, um dos primeiros a subverter as técnicas tradicionais de representação: perspectiva, relevo e relações tonais. O cubismo se divide em duas grandes fases. Até 1912, no chamado cubismo analítico, observa-se uma preocupação predominante com as pesquisas estruturais, por meio da decomposição dos objetos e do estilhaçamento dos planos, e forte tendência ao monocromatismo. Entre 1912 e 1913, as cores se acentuam e a ênfase dos experimentos é colocada sobre a recomposição dos objetos. No momento do cubismo sintético, elementos heterogêneos - recortes de jornais, pedaços madeira, cartas de baralho, caracteres tipográficos, entre outros - são agregados à superfície das telas, dando origem às famosas colagens, amplamente utilizadas a partir de então. O nome do espanhol Juan Gris liga-se a essa última fase e o uso do papel-colado torna-se parte fundamental de seu método. Outros pintores como Fernand Léger, Robert Delaunay, Sonia Delaunay-Terk, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Roger de la Fresnaye se associam ao movimento. Na escultura, por sua vez, a pauta cubista marca as obras de Alexander Archipenko, Pablo Gargallo, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Constantin Brancusi, entre outros. O ano de 1914 remete ao fim da colaboração entre Picasso e Braque e à uma atenuação das inovações cubistas, embora os procedimentos introduzidos pelo movimento estejam na base de experimentos posteriores como os do futurismo, construtivismo, purismoe vorticismo. Desdobramentos do léxico cubista alcançam não apenas as artes visuais, mas também a poesia, com Guillaume Apollinaire, e a música, nas criações de Stravinsky. O cubismo pode ser considerado uma das principais fontes da arte abstrata e suas pesquisas encontram adeptos no mundo todo. No Brasil, influências do cubismo podem ser observadas em parte dos artistas reunidos no modernismo de 1922, em alguns trabalhos de Vicente do Rego Monteiro, Antonio Gomide e sobretudo na obra de Tarsila do Amaral. O aprendizado com André Lhote, Gleizes e, principalmente, com Léger reverbera nas tendências construtivas da obra de Tarsila, em especial na fase pau-brasil. A pintora vai encontrar em Léger, especialmente em suas "paisagens animadas", motivos ligados ao espaço da vida moderna - máquinas, engrenagens, operários das fábricas etc. - e o aprendizado de formas curvilíneas. Emblemáticas do contato com o mestre francês são as telas criadas em 1924, como Estrada de Ferro Central do Brasil e Carnaval em Madureira. Não se pode mencionar o impacto do cubismo no Brasil sem lembrar ainda de parte das produções de Clóvis Graciano e de um segmento considerável da obra de Candido Portinari, evidente em termos de inspiração picassiana. ps: Postagem De Giovana por sua internet não esta funcionando!

artes                                                                                                     Cubismo

Este movimento artístico tem seu surgimento no século XX e é considerado o mais influente deste período. Com suas formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição das formas na busca da imagem realista da natureza. A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus desde o renascimento, deu lugar a esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo tempo.
   O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas. 

Artes!

                    Pablo Picasso

O artista espanhol Pablo Picasso (25/10/1881-8/4/1973) destacou-se em diversas áreas das artes plásticas: pintura, escultura, artes gráficas e cerâmica. Picasso é considerado um dos mais importantes artistas plásticos do século XX.

 Nasceu na cidade espanhola de Málaga. Fez seus estudos na cidade de Barcelona, porém trabalhou, principalmente na França. Seu talento para o desenho e artes plásticas foi observado desde sua infância.

Suas obras podem ser divididas em várias fases, de acordo com a valorização de certas cores. A fase Azul (1901-1904) foi o período onde predominou os tons de azul. Nesta fase, o artista dá uma atenção toda especial aos elementos marginalizados pela sociedade. Na Fase Rosa (1905-1907), predomina as cores rosa e vermelho, e suas obras ganham uma conotação lírica. Recebe influência do artista Cézanne e desenvolve o estilo artístico conhecido como cubismo. O marco inicial deste período é a obra Les Demoiselles d'Avignon (1907) , cuja característica principal é a decomposição da realidade humana.

 Em 1937, no auge da Guerra Civil Espanhola ( 1936-1939), pinta seu mural mais conhecido: Guernica. Esta obra já pertence ao expressionismo e mostra a violência e o massacre sofridos pela população da cidade de Guernica.

 Na década de 1940, volta ao passado e pinta diversos quadros retomando as temáticas do início de sua carreira. Neste período, passa a dedicar-se a outras áreas das artes plásticas: escultura, gravação e cerâmica. Já na década de 1960, começa a pintar obras de artes de outros artistas famosos: O Almoço Sobre a Relva de Manet e As Meninas do artista plástico Velázquez, são exemplos deste período.

Já com 87 anos, Picasso realiza diversas gravuras, retomando momentos da juventude. Nesta última fase de sua vida, aborda as seguintes temáticas: a alegria do circo, o teatro, as tradicionais touradas e muitas passagens marcadas pelo erotismo. Morreu em 1973 numa região perto de Cannes, na França.

Principais obras de Picasso:

- Auto-retrato
- Absinto (Rapariga no café)
- A morte de Casagemas
- Evocação - O funeral de Casagemas
- Velho guitarrista cego
- Miseráveis diante do mar
- A Vida
- Mulher passando a ferro
- "Les Demoiselles d'Avignon"
- Retrato de Suzanne Bloch
- O ator
- Auto-retrato com capa
- Garçon à la pipe (Rapaz com cachimbo)
- Fernanda com um lenço preto
- Vasilhas
- Mulher com leque
- Jovem nu (Jovem rapaz com braços levantados)
- Banho
- Les Demoiselles d'Avignon
- Três Mulheres
- Composição com crânio
- Garrafa, jarra e frutas
- Mulher loira
- Minotauro, bebedor e mulheres
- Guernica
- Vaso sobre a mesa
- O tomateiro
- Mulher sentada num cadeirão
- Arlequim com baton
- Busto de mulher
- Lagosta e gato
- Nude, Green Leaves and Bust

Frases de Picasso

- "Paul Cézenne é o pai de todos nós".

- "Não se pode criar nada sem a solidão".

- "Não se consegue convencer um rato de que um gato pode trazer boa sorte".

- "A inspiração existe, porém temos que encontrá-la trabalhando."

- "A qualidade de um pintor depende da quantidade de passado que traz consigo."

Meio Ambiente

Nunca antes se debateu tanto sobre o meio ambiente esustentabilidade. As graves alterações climáticas, as crises no fornecimento de água devido a falta de chuva e da destruição dos mananciais e a constatação clara e cristalina de que, se não fizermos nada para mudar, o planeta será alterado de tal forma que a vida como a conhecemos deixará de existir.

Cientistas, pesquisadores amadores e membros de organizações não governamentais se unem, ao redor do planeta, para discutir e levantar sugestões que possam trazer a solução definitiva ou, pelo menos, encontrar um ponto de equilíbrio que desacelere a destruição que experimentamos nos dias atuais. A conclusão, praticamente unânime, é de que políticas que visem a conservação do meio ambiente e a sustentabilidade de projetos econômicos de qualquer natureza deve sempre ser a idéia principal e a meta a ser alcançada para qualquer governante.

Em paralelo as ações governamentais, todos os cidadãos devem ser constantemente instruídos e chamados à razão para os perigos ocultos nas intervenções mais inocentes que realizam no meio ambiente a sua volta; e para a adoção de práticas que garantam a sustentabilidade de todos os seus atos e ações. Destinar corretamente os resíduos domésticos; a proteção dos mananciais que se encontrem em áreas urbanas e a prática de medidas simples que estabeleçam a cultura da sustentabilidade em cada família.

Assim, reduzindo-se os desperdícios, os despejos de esgoto doméstico nos rios e as demais práticas ambientais irresponsáveis; os danos causados ao meio ambiente serão drasticamente minimizados e a sustentabilidade dos assentamentos humanos e atividades econômicas de qualquer natureza estará assegurada.

Estimular o plantio de árvores, a reciclagem de lixo, a coleta seletiva, o aproveitamento de partes normalmente descartadas dos alimentos como cascas, folhas e talos; assim como o desenvolvimento de cursos, palestras e estudos que informem e orientem todos os cidadãos para a importância da participação e do engajamento nesses projetos e nessas soluções simples para fomentar a sustentabilidade e a conservação do meio ambiente.

Uma medida bem interessante é ensinar cada família a calcular sua influência negativa sobre o meio ambiente (suas emissões) e orientá-las a proceder de forma a neutralizá-las; garantindo a sustentabilidade da família e contribuindo enormemente para a conservação do meio ambiente em que vivem. Mas, como se faz par calcular essas emissões? Na verdade é uma conta bem simples; basta calcular a energia elétrica consumida pela família; o número de carros e outros veículos que ela utilize e a forma como o faz e os resíduos que ela produza. A partir daí; cada família poderá dar a sua contribuição para promover práticas e procedimentos que garantam a devolução à natureza de tudo o que usaram e, com essa ação, gerar novas oportunidades de redá e de bem estar social para sua própria comunidade.

O mais importante de tudo é educar e fazer com que o cidadão comum entenda que tudo o que ele faz ou fará; gerará um impacto no meio ambiente que o cerca. E que só com práticas e ações que visem a sustentabilidade dessas práticas; estará garantindo uma vida melhor e mais satisfatória, para ela mesma, e para as gerações futuras.

       artes                                                                                             

            Pablo Picasso                                                                                                                     

O artista espanhol Pablo Picasso (25/10/1881-8/4/1973) destacou-se em diversas áreas das artes plásticas: pintura, escultura, artes gráficas e cerâmica. Picasso é considerado um dos mais importantes artistas plásticos do século XX.

 Nasceu na cidade espanhola de Málaga. Fez seus estudos na cidade de Barcelona, porém trabalhou, principalmente na frança. Seu talento para o desenho e artes plásticas foi observado desde sua infância.

Suas obras podem ser divididas em várias fases, de acordo com a valorização de certas cores. A fase Azul (1901-1904) foi o período onde predominou os tons de azul. Nesta fase, o artista dá uma atenção toda especial aos elementos marginalizados pela sociedade. Na Fase Rosa (1905-1907), predomina as cores rosa e vermelho, e suas obras ganham uma conotação lírica. Recebe influência do artista Cézanne e desenvolve o estilo artístico conhecido como cubismo. O marco inicial deste período é a obra Les Demoiselles d'Avignon (1907) , cuja característica principal é a decomposição da realidade humana.

 Em 1937, no auge da Guerra Civil Espanhola ( 1936-1939), pinta seu mural mais conhecido: Guernica. Esta obra já pertence ao expressionismo e mostra a violência e o massacre sofridos pela população da cidade de Guernica.

Artes!

Juan Gris Pintor espanhol 23-3-1887, Madri 11-5-1927, Boulogne-sur-Seine, França Do Klick Educação Seu nome de nascimento era José Victoriano Gonzáles Pérez. Em 1906, mudou-se para Paris, onde se sentiu atraído pela estética cubista. Em 1911, apresentou suas primeiras obras cubistas, que, pela vontade de geometrização das formas patenteada, pela multiplicação dos pontos de vista e pela incorporação de elementos tipográficos, se distanciaram tanto do estilo de Picasso como do de Braque. Em sua paleta predominam os azuis, os verdes e os violetas. A partir de 1912, Gris interessou-se pela técnica da colagem, que lhe permitiu criar um jogo de ambigüidades entre o que é real e o que é pintado e, desse modo, entre o verdadeiro e o falso. A este período criativo pertencem naturezas-mortas como Copos e Jornal(1914), O Pequeno-Almoço (1915), Jarra e Copo (1916), A Garrafa de Vinho (1918) e Garrafa e Fruteira (1919). É evidente sua tendência à simplificação, tanto no número de objetos representados como nos aspectos envolvidos. Em sua evolução, o artista escolheu partir cada vez mais das formas geométricas mais simples para construir os objetos que pintaria, numa procura das estruturas mais elementares, enquanto seu cromatismo manteve uma luminosidade abstrata. O Livro de Música, 1922, e A Guitarra Frente ao Mar, 1925, são dois de seus últimos trabalhos mais destacados.

Artes!

            Principais Obras do cubismo

Les Demoiselles d'Avignon, Pablo Picasso

Vaso Azul - Pablo Picasso

Mulher Jovem - Pablo Picasso

Les Demoiselles d’Avignon é uma das pinturas mais famosas de Pablo Picasso. É considerada o marco inicial do cubismo, porém também o impacto da arte africana e a importância dela para a caracterização do cubismo.

Considerada  pelo próprio pintor, uma da pinturas mais importantes, Les Demoiselles d’Avignon, passou por inúmeras modificações .

Representa uma violação e convenção de todas  as tradições visuais naturalistas ocidentais, apresentando cinco prostitutas , representadas de forma  cubista.

Os rostos das personagens o início do Período Negro , assemelhando-se a máscara e escultura africanas.

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Tarsila do amaral                                                                                      

  Na adolescência, Tarsila estudou no Colégio Sion, localizado na cidade de São Paulo, porém, completou os estudos numa escola de Barcelona (Espanha). 

Desde jovem, Tarsila demonstrou muito interesse pelas artes plásticas. Aos 16 anos, pintou seu primeiro quadro, intitulado Sagrado Coração de Jesus.

Em 1906, casou-se pela primeira vez com André Teixeira Pinto e com ele teve sua única filha, Dulce. Após se separar, começa a estudar escultura.

Somente aos 31 anos começou a aprender as técnicas de pintura com Pedro Alexandrino Borges (pintor, professor e decorador). 

Em 1920, foi estudar na Academia Julian (escola particular de artes plasticas) na cidade de Paris. Em 1922, participou do Salão Oficial dos Artistas da França, utilizando em suas obras as técnicas do cubismo.

Vincent Willem van Gogh

Vincent Willem van Gogh (30 de Março de 1853 — Auvers-sur-Oise-29 de Julho de 1890) foi um pintor pós-impressionista neerlandês, frequentemente considerado um dos maiores de todos os tempos.

Sua vida foi marcada por fracassos. Ele falhou em todos os aspectos importantes para o seu mundo, em sua época. Foi incapaz de constituir família, custear a própria subsistência ou até mesmo manter contatos sociais. Aos 37 anos, sucumbiu a uma doença mental, cometendo suicídio.

A sua fama póstuma cresceu especialmente após a exibição das suas telas em Paris, a 17 de Março de 1901.

Van Gogh é considerado um dos pioneiros na ligação das tendências impressionistas com as aspirações modernistas, sendo a sua influência reconhecida em variadas frentes da arte do século XIX, como por exemplo o expressionismo, o fauvismo e o abstracionismo .

O Museu Van Gogh em Amsterdã é dedicado aos seus trabalhos e aos dos seus contemporâneos.

Rococo

O termo rococó forma da palavra francesa rocaille, que significa "concha", associado a certas fórmulas decorativas e ornamentais como por exemplo a técnica de incrustação de conchas e pedaços de vidro, usados na decoração de grutas artificiais. Foi muitas vezes alvo de apreciações estéticas pejorativas. Foi um movimento estético que floresceu na Europa entre o início e o fim do século XVIII, migrando para a América e sobrevivendo em algumas regiões até meados do século XIX
O Rococó nasceu em Paris em torno da década de 10,70 como uma reação da aristocracia francesa contra o Barroco suntuoso, palaciano e solene praticado no período de Luís XIV. Caracterizou-se acima de tudo por sua índole hedonista e aristocrática, manifesta em delicadeza, elegância, sensualidade e graça, e na preferência por temas leves e sentimentais, onde a linha curva, as cores claras e a assimetria tinham um papel fundamental na composição da obra. Da França, onde assumiu sua feição mais típica e onde mais tarde foi reconhecido como patrimônio nacional, o Rococó logo se difundiu pela Europa, mas alterando significativamente seus propósitos e mantendo do modelo francês apenas a forma externa, com importantes centros de cultivo na Alemanha, Inglaterra, Áustria e Itália, com alguma representação também em outros locais, como a Península Ibérica, os países eslavos e nórdicos, chegando até mesmo às Américas.

Cubismo

Cubismo é um movimento artístico que surgiu no século XX, nas artes plásticas, tendo como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque e tendo se expandido para a literatura e a poesia pela influência de escritores como Guillaume Apollinaire, John dos Passos e Vladimir Maiakovski. O quadro "Les demoiselles d'Avignon", de Picasso, 1907 é conhecido como marco inicial do Cubismo.Nele ficam evidentes as referências a máscaras africanas, que inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a obra de Paul Cézanne.

O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas, representando as partes de um objeto no mesmo plano. A representação do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das coisas.

Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas.

O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas. Não representa, mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e por baixo, percebendo todos os planos e volumes.

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vanguarda

O termo vanguarda significa, no seu sentido literal, a "primeira linha de um exército, em ordem de batalha", a "guarda avançada que abre a marcha", "o corpo militar que vai à frente". Na arte, passou a referir-se aos artistas que se colocam culturalmente à frente do seu tempo, abrindo o caminho a novas ideias, a novas mentalidades, a novas culturas. A arte de vanguarda procura romper com toda a conceção artística e cultural até então vigente. Apresenta-se como uma revolução cultural que busca novas estruturas, estéticas e pensamentos.
No meio de diversas tensões sociais, políticas e mentais, a arte e a literatura tentam a rutura com o passado e buscam o futuro de promessas. Procurando separar-se da burguesia e do seu materialismo, por meio de uma arte refinada e estetizante, surge o Modernismo, que se expande entre 1880-1914. Daí, considerar-se, também, como Vanguarda ou Vanguardismo o movimento do Modernismo que representa a inquietude de uma época. Este apresenta-se como corrente artística que procura a novidade contra o gosto estabelecido, abrangendo ou recobrindo todos os ismos: futurismo, cubismo, impressionismo, dadaísmo, expressionismo, intersecionismo, paulismo, sensacionismo...
São marcas do Modernismo: a liberdade criadora; o sentido aristocrático da arte, contra a vulgaridade; a perfeição formal; o cosmopolitismo; a correspondência entre as várias artes - literatura, pintura, escultura, música -; o gosto pelo exótico, pelo clássico e pelo pitoresco; o impressionismo descritivo; a renovação vocabular e dos recursos expressivos; a simplificação da sintaxe; o aproveitamento das imagens visuais e dos vocábulos musicais; a versificação irregular e o verso livre; a liberdade estrófica.
Cada uma das correntes de vanguarda assumiu um carácter específico, mas tinham sempre de comum o sentimento de romper com o passado, muitas vezes exprimindo a subjetividade e o irracionalismo humano, na ânsia de encontrar novas formas de expressão capazes de traduzir uma nova realidade para a sua contemporaneidade.
Na arte, estes movimentos de vanguarda celebrizaram-se com pintores como Matisse, Rouault, Chagall, Picasso, Braque, Kandinsky, Klee, Max Ernst, Mondrian, Miró, Dali; com músicos como Schönberg, Bela Bartok ou Stravinsky. Na literatura, merecem referência Henri James, Virginia Woolf, Joyce, Kafka, Hermann Hesse, John Dos Passos, E.E.Cummings, Jorge Luis Borges e poetas como Apollinaire, Mallarmé, Marinetti, Max Jacob, Ezra Pound, Valery, T. S. Eliot, André Breton, Maïakovski, Gertrude Stein, Fernando Pessoa, Mário de Sá-Carneiro, Almada Negreiros, entre outros.

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Barroco
Origens e Características do Barroco  barroco foi uma tendência artística que se desenvolveu primeiramente nas artes plásticas e depois se manifestou na literatura, no teatro e na música. O berço do barroco é a Itália do século XVII, porém se espalhou por outros países europeus como, por exemplo, a Holanda, a Bélgica, a França e a Espanha. O barroco permaneceu vivo no mundo das artes até o século XVIII. Na América Latina, o barroco entrou no século XVII, trazido por artistas que viajavam para a Europa, e permaneceu até o final do século XVIII.

Contexto histórico 

O barroco se desenvolve no seguinte contexto histórico: após o processo de Reformas
Religiosas, ocorrido no século XVI, a Igreja Católica havia perdido muito espaço e poder. Mesmo assim, os católicos continuavam influenciando muito o cenário político, econômico e religioso na Europa. A arte barroca surge neste contexto e expressa todo o contraste deste período: a espiritualidade e teocentrismo da Idade Média com o racionalismo e antropocentrismo do Renascimento.

Os artistas barrocos foram patrocinados pelos monarcas, burgueses e pelo clero. As obras de pintura e escultura deste período são rebuscadas, detalhistas e expressam as emoções da vida e do ser humano.
A palavra barroco tem um significado que representa bem as características deste estilo. Significa " pérola irregular" ou "pérola deformada" e representa de forma pejorativa a ideia de irregularidade.
O período final do barroco (século XVIII) é chamado de rococó e possui algumas peculiaridades, embora as principais características do barroco estão presentes nesta fase. No rococó existe a presença de curvas e muitos detalhes decorativos (conchas, flores, folhas, ramos). Os temas relacionados à mitologia grega e romana, além dos hábitos das cortes também aparecem com freqüência.

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Cubismo

 Origem 

Este movimento artístico tem seu surgimento no século XX e é considerado o mais influente deste período. Com suas formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição das formas na busca da imagem realista da natureza. A imagem única e fiel à natureza, tão apreciada pelos europeus desde o Renascimento, deu lugar a esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo tempo. 

História movimento cubista 

O marco inicial do Cubismo ocorreu em Paris, em 1907, com a tela Les Demoiselles d''Avignon, pintura que Pablo Picasso levou um ano para finalizar. Nesta obra, este grande artista espanhol retratou a nudez feminina de uma forma inusitada, onde as formas reais, naturalmente arredondadas, deram espaço a figuras geométricas perfeitamente trabalhadas. Tanto nas obras de Picasso, quanto nas pinturas de outros artistas que seguiam esta nova tendência, como, por exemplo, o ex-fauvista francês – Georges Braque – há uma forte influência das esculturas africanas e também pelas últimas pinturas do pós-impressionista francês Paul Cézanne, que retratava a natureza através de formas bem próximas as geométricas. 

Historicamente o Cubismo se dividiu em duas fases: Analítico, até 1912, onde a cor era moderada e as formas eram predominantemente geométricas e desestruturadas pelo desmembramento de suas partes equivalentes, ocorrendo, desta forma, a necessidade de não somente apreciar a obra, mas também de decifra-la, ou melhor, analisa-la para entender seu significado. Já no segundo período, a partir de 1912, surge a reação a este primeiro momento, o Cubismo Sintético, onde as cores eram mais fortes e as formas tentavam tornar as figuras novamente reconhecíveis através de colagens realizadas com letras e também com pequenas partes de jornal. 

Na Europa está o maior número de artistas que se destacaram nesta manifestação artística, entre eles os mais conhecidos além dos precursores Pablo Picasso e Braque são: Albert Gleizes,  Fernand Léger, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Roger de La Fresnaye, e Juan Gris.   

van guarda

Pretensa nobreza e artistas  reacionários não se conformavam com o acesso do povo à cultura .Não viam com bons olhos a democratização da sociedade com a revolução industrial e ascensão da burguesia.Queriam diferenciar-se da “multidão vulgar” em meio a qual se sentiam  anônimos,  despersonalizados. Trabalhadores melhoraram de vida, tinham descanso em férias, sábados, domingos , e até faziam excursões . Com tempo livre participavam de esportes, de jogos organizados. Havia conglomerações em toda parte. A partir de l.87O, surgiam associações, clubes, sindicatos, torneios. O fortalecimento dos estados nacionais dependia da educação nas escolas, o povo sabia ler e escrever, publicavam-se livros, jornais e revistas, modernizavam-se os meios de produção e de comunicação.  Acabavam-se os privilégios das “classes altas”.Com os novos ricos e políticos profissionais acima da nobreza decaída, plebeus tornavam-se cidadãos com direitos e freqüentavam os mesmos lugares que elas. Tudo isto explicava o ódio à burguesia e seus novos valores, direitos humanos, liberdade e progresso, tanto quanto à sua arte popularizada, em síntese: o romantismo. Artistas também ciosos de suposta superioridade não podiam perder a identidade, confundidos com a “ralé”.Queriam afirmar a sua ascendência. Homens e mulheres de sensibilidade teriam de admirar apenas o excepcional. Então o uso de drogas, a homossexualidade, tudo seria válido para dela diferencia-los. E para afirmar a superioridade falavam em purificar a nação, pregando o anti-semitismo. 

“É tudo vaidade e aflição de espírito, diz Eclesiastes na Bíblia. Queriam, pois, sobressair-se, o que é comum em nossos dias:“o que foi é o que há de ser”. Então criaram a arte dos indiciados, divorciada do público. No princípio a música sem melodia, os versos sem métrica, rimas e poesia, o romance sem enredo. Experimentos formais enigmáticos, vazios de conteúdo. Uma arte para os “superdotados”, vedada às classes pobres tal como ocorria nos tempos de reis e nobres. Representara reação retrógrada de desprezo à democratização e ao humanismo, enquanto não se evidenciavam as contradições próprias no processo cultural. Já se estendiam ao campo das artes e da literatura, como na História, bem ou mal interpretadas as concepções darwinianas, freudianas e marxistas. Contribuíam para a substituição da crença em Deus pela crença em  super-homens acima do bem e do mal, como de artistas, eles sim destacados das massas, capazes de criar novas realidades. A tal caráter negativo que influiu na arte de vanguarda acrescente-se a idéia das novas doutrinas de supremacia racial e nacional , de legitimidade das ditaduras. As conseqüências vieram com o nazismo, o fascismo e o comunismo de Lênin e Stalin. Apesar disso, logo considerada por Sartre a filosofia insuperável do tempo, o marxismo devido à luta de classes e ascensão do proletariado era uma contradição no processo cultural, uma resistência ao caráter negativo. Realçando como qualidade essencial nas artes o realismo, defendia ao inverso uma arte contrária ao domínio sobre o proletariado, a qual repercutiu positivamente em todo o mundo, ainda que se tornasse facciosa, política.

 Eis a origem e a razão das composições exóticas, algumas vezes até chocantes, ainda em nossos dias como as da “Pop Art” nos Estados Unidos.

 Em relação ao proletariado, a burguesia rica e sua intelectualidade desempenharam papel idêntico ao da aristocracia e a sua intelectualidade.

 Pode-se também compreender o manifesto de Marinetti, pregoeiro fascista a prescrever programa contracultura que originou aos que não o aceitavam a designação de acadêmicos. E por mais paradoxal que se afigure as experiências são sempre válidas, fazem parte do aprendizado para a busca do certo e do novo.

 O romantismo rompera com os padrões clássicos e dera maior liberdade aos artistas precedendo as artes de vanguarda, mas estas engrossadas por tantas vertentes em seu percurso, como afluentes, deixando às margens o entulho, ainda que conservando contradições, desaguaram no grande e caudaloso Modernismo. Então as conquistas formais e a liberdade aos artistas não tiveram mais limites. O realismo como em todos os tempos e escolas foi e é o divisor das águas entre o positivo e o negativo. Havia razões na posição formalista, no cubismo, no abstracionismo, no surrealismo. Ainda que se considerassem autônomos em relação à sociedade, não o eram! Essas e outras concepções semelhantes só fazem esplender ainda mais o real e o humano como princípios eternos da arte. O realismo deixa de ser restrito a representações naturalistas. Reconhece a existência de liames verazes com a natureza não só na intuição, mas nas emoções, no imaginário e até no fantástico.Um realismo artístico ainda, lógico pelo nexo de causalidade, inspirado, dependente de talento. Não fora tal compreensão não se poderia falar em ficção e poesia realistas. Não há como negar a importância de Cèzane, crença em mundo transcendente; de Braque, pintura de essências; de Wolfgang Paelen, supressão da perspectiva e horizonte; dos gênios adaptando-se às condições novas, que vencem as barreiras de todas as correntes. Certamente a fantasia não significa de todo um rompimento com o real e o humano. O que não se pode concordar é com a negação do conhecimento, do mundo objetivo e a exclusão dos sentimentos. Afinal, quanto mais uma arte procurar afastar-se do real e do humano, considerando-se autônoma, debilitando-lhe os liames, revela seu caráter reacionário, decadente.

 Belo exemplo positivo é o de Picasso. Não bastasse a apreensão das características permanentes em suas figuras, com seu talento expressa em “Guernica”, no mais formidável realismo, o horror da guerra, mais do que a cidade destruída, a dor, a desolação, a própria guerra. Dá formas a um conteúdo de razão e emoções, de revolta, tudo calado em seu espírito, numa catarse materializado na obra.

 Mudara muito o mundo no período das grandes guerras do século XX, culminadas com hecatombes como a de Hiroshima. Já estavam em voga idéias liberais, cientismo na poesia e no romance, novos processos de crítica e história literária, alterações na lingüística, No entanto, o capitalismo gerara a corrupção também na área cultural.  Tudo parece ter preço quando o valor absoluto é o dinheiro. Intelectuais tentavam deter o avanço das classes trabalhadoras através de obras simplesmente alienantes ou de objetivo reacionário.Com o desenvolvimento econômico-social, avanço das ciências e da tecnologia, a massificação atingia índices cada vez mais elevados. Sobrevivera também o romantismo, ainda após as manifestações mais importantes. A massificação alcançara indistintamente os meios artísticos e literários. Tal fenômeno concorria para a popularização e até banalização das artes em ambas correntes estéticas. De um lado, cascata de trovas, sonetos repetitivos, autores maçantes, prosaicos, copistas; de outro, produção em massa de simulacros literários, piadas, tolices, aos milhares as coletâneas de versos sem sentido, quando não oculto para advinha-lo a crítica. Contos e mais contos paupérrimos de conteúdo a pretexto de interesse pelo cotidiano e pela linguagem falada.  Na verdade todos autores apenas de conhecimentos rudimentares sobre a escrita e a poética, menos ainda sobre filosofia e história. Mas tanto uns como outros a repetir as mesmas coisas como os comentários e crônicas que ainda fazem sobre o noticiário da mídia. Ou a procurar notoriedade apelando para temas de violência e erotismo, não amor.

 Coube-nos formular o realismo humanista, que autentica em razão de todos os valores intrínsecos e explica a perdurabilidade de uma obra de arte. Considera natural e necessária a incorporação de pesquisas formais adequadas ao conteúdo. Toda arte é cognoscitiva, realista, e maior quando de exaltação estética. Exemplifiquei-a com Picasso. E’invenção, fruto também de imaginação e emoções, há nela o espírito do artista, a sua realidade íntima, sua visão singular. Pode transfigurar o real para revelar-nos forças que o movem, o poder, o significado, tudo que é. Seu dom é inato e se nos afigura, como a fé, um  conhecimento pretérito e do futuro.

 O realismo humanista aprova estilos de linguagem. As imagens poéticas na escrita são as metáforas, hipérboles, alegorias,  parábolas, símbolos e outras figuras estilísticas nos versos, contos ou romances. As imagens visuais são as do desenho, da pintura, da escultura, e não literárias. Na poesia é imperioso destacar que no verso livre há dependência do ritmo pessoal, inexistente numa grande maioria. Ou de um “eu lírico”que alcance horizontes mais altos.

Entre nós, desde as primeiras manifestações predomina a literatura realista, principalmente na prosa. Na poesia, nem tanto quando experimentalistas adotam o pensamento parnasiano de “arte pela arte”.Convém lembrar que o modernismo no Brasil é, antes de tudo, uma revolta justamente contra o parnasianismo.E torna-se necessário ressaltar a afinidade entre o romantismo e o modernismo em torno “de espírito revolucionário”, como afirma Mario de Andrade. E’quem destaca a função social do intelectual, lidera a corrente de artistas participantes buscando na literatura popular, no folclore, na música, na pintura e na língua a identidade nacional. São presentes as obras de Portinari, Di Cavalcante, Goeldi, Anita Malfatti, Augusto Rodrigues, Poty, Dorel. Na música não agrada o atonalismo e a engrandecem Vila Lobos, Francisco Mignone, Camargo Guarnieri, Guerra Peixe.

 No Brasil, é vanguarda o modernismo, tem caráter progressista e, sob a influência de Alceu Amoroso Lima, com o seu nacionalismo servindo-lhe de esteio. E’ um grande marco em nossa História.  Houve nesta, todavia, uma lacuna que procuramos demonstrar e reparar quando da publicação do romance “Arcabuzes”. A revolução liderada pela burguesia, das classe urbanas, contra a  monarquia , a aristocracia e o escravismo,pela  República, que  em conseqüência  de uma contra-revolução envolveu a Nação  em sangrenta guerra civil . Fato de maior significação histórica no País, até então ignorado ou omitido por falta de interpretação.

Tanto um conto como “Curiango”, de Afonso Schimite, ou “Cemitério de Elefantes” e “Morte na Praça”,de Dalton Trevisan, revelam o essencial. Pois a excelência de uma obra de arte moderna se reconhece pela exaltação estética na forma correspondente, que é pessoal. Pode inclusive não obedecer limites entre um gênero e outro, com forma apropriada ao assunto. Isto acontece numa verdadeira crítica-poema, por assim dizer, da mais pura exaltação estética do escritor Miguel Sanches Neto ao pintar um painel literário sobre o Aleijadinho e sua obra.

 Procuramos num pensamento brasileiro fundamentar um novo realismo com princípios e valores humanos perpétuos. Achamos que, com o modernismo, sem os preconceitos da decadente nobreza e artistas reacionários do século XIX, que desprezavam o povo, há sim uma arte de vanguarda. Os autores voltam-se para a vida, para o social, para o real e o humano, expressando-se em suas obras. Não são iniciados em artes ocultas para se diferenciarem julgando-se superiores. Amam e valorizam o próximo, dando substância à arte de vanguarda.

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O futurismo é um movimento artístico e literário, que surgiu oficialmente em 20 de fevereiro de 1909 com a publicação do Manifesto Futurista, pelo poeta italiano Filippo Marinetti, no jornal francês Le Figaro. Os adeptos do movimento rejeitavam o moralismo e o passado, e suas obras baseavam-se fortemente na velocidade e nos desenvolvimentos tecnológicos do final do século XIX. Os primeiros futuristas europeus também exaltavam a guerra e aviolência. O Futurismo desenvolveu-se em todas as artes e influenciou diversos artistas que depois fundaram outros movimentos modernistas.

No primeiro manifesto futurista de 1909, o slogan era Les mots en liberté ("Liberdade para as palavras") e levava em consideração o design tipográficoda época, especialmente em jornais e na propaganda. Eles abandonavam toda distinção entre arte e design e abraçavam a propaganda como forma de comunicação. Foi um momento de exploração do lúdico, da linguagem vernácula, da quebra de hierarquia na tipografia tradicional, com uma predileção pelo uso de onomatopéias. Essas explorações tiveram grande repercussão no dadaísmo, no concretismo, na tipografia moderna, e no design gráfico pós-moderno. Surgiu na França,seus principais temas são as cores.

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Uma escultura de madeira representando Nossa Senhora do Rosário pode ser a mais nova obra reconhecida como de autoria do mestre do barroco brasileiro, Antonio Francisco Lisboa, o ‘Aleijadinho’. A imagem de 52 cm foi descoberta num antiquário pelo pesquisador ituano Marcelo Coimbra, co-autor do mais recente catálogo geral das obras do escultor mineiro. “Assim que pus os olhos, notei a semelhança com outras esculturas do Aleijadinho”, disse.
O historiador mineiro Márcio Jardim, estudioso do artista, analisou as fotos enviadas por Coimbra e foi conclusivo: “Estamos diante de mais um Aleijadinho, sem dúvida. Esta Nossa Senhora do Rosário tem muitos sinais do mestre: cabelos, rosto, olhos, perfil do rosto, ventre proeminente, pés em ângulo reto, panejamento em toda perna direita em diversos V, todos os entalhes do pano muito parecidos com os de diversas imagens do artista. Ressalvando ter que olhar pessoalmente, creio que é um Aleijadinho”, respondeu.
Coimbra está montando em Itu o acervo do projeto Berço do Barroco Brasileiro, que será um museu itinerante particular com obras de artistas do período colonial. Ao todo, estão catalogadas 128 obras, das quais 48 esculturas do ‘Aleijadinho’. O plano é levar o museu itinerante a várias capitais brasileiras, a partir do segundo semestre deste ano.

Futurismo

O movimento futurista eclodiu historicamente no dia 20 de fevereiro de 1909, sendo caracterizado como uma escola de cunho artístico e literário. Ele nasceu dos princípios expostos no Manifesto Futurista, publicado no periódico francês Le Figaro por Filippo Marinetti, renomado poeta italiano.

Futurismo

Esta corrente desprezava explicitamente todo padrão moral, bem como os valores que permaneceram no passado. Ela primava por um novo paradigma estético, o qual deveria seguir parâmetros fundados na celeridade temporal, no engrandecimento dos combates e, consequentemente, na recorrência à força.

Seus seguidores se fiavam excessivamente no progresso tecnológico vigente em fins do século XIX. Eles cultivavam especialmente a publicidade como principal meio de comunicação, exaltando a tipografia à qual se recorria neste período. O lema do primeiro manifesto era “Liberdade para as palavras”. Qualquer fronteira ainda existente entre a arte e o design é então eliminada.

O Futurismo se insinua no âmbito de todas as expressões artísticas e inspira muitos artífices a instituir suas próprias escolas modernistas. Ele cultua de tal forma a novidade, que até mesmo se vê tentado a demolir instituições museológicas e cidades ancestrais. Para os futuristas as conflagrações bélicas visavam sanar o Planeta.

Os futuristas navegavam pelas vertentes dos jogos, do idioma puro, do rompimento das regras tipográficas convencionais, optando pelo recurso àsonomatopéias, figuras de linguagem com as quais é possível simular sonoridades através de um fonema ou de uma palavra. Esses meios explorados pelo futurismo reverberaram, posteriormente, em movimentos como o dadaísta, o concretista, bem como na tipografia dos tempos modernos e no design gráfico típico da pós-modernidade.

Futurismo

A França e a Itália foram os núcleos por excelência do Futurismo. Infelizmente, muitos dos artistas que se alistaram em suas fileiras se aliaram também ao idealfascista. No pós-guerra, porém, esta escola perdeu seu vigor inicial, embora sua alma desassossegada tenha continuado a pairar sobre futuras manifestações artístico-culturais. Nas artes plásticas o futurismo foi inspirado pelocubismo e pelo abstracionismo. Na literatura, a principal repercussão se dá na poética italiana, veículo de defesa das ideologias políticas.

No Brasil este movimento marcou a trajetória de vários artistas, entre elesOswald de Andrade, na esfera literária, e Anita Malfatti, no campo da pintura. Eles conheceram o futurismo e o próprio Marinetti em suas idas à Europa, em 1912. Embora tenham se distanciado durante a Guerra, resgataram posteriormente este precioso intercâmbio de idéias.

A Semana de Arte Moderna de 1922 foi igualmente inspirada pelo Futurismo. Concepções como a rejeição ao passado, o culto do futuro, o desprezo às reproduções e o cultivo da pureza original vieram perfeitamente de encontro ao que os modernistas buscavam. Eles não desejavam nada mais que substituir padrões artísticos europeus por uma genuína criação nacional, valorizando a arte dos nativos e a cultura produzida pelos africanos.                                           Referencia http://www.infoescola.com/artes/futurismo/