futurismo

Futurismo

O futurismo é um movimento artístico e literário surgido oficialmente em 20 de fevereiro de 1909, com a publicação do Manifesto Futurista, do poeta italiano Filippo Marinetti, no jornal francês Le Figaro. A obra rejeitava o moralismo e o passado. Apresentava um novo tipo de beleza, baseado na velocidade e na elevação da violência.

O slogan do primeiro manifesto futurista de 1909 era “Liberdade para as palavras”, e considerava o design tipográfico da época, especialmente em jornais e propaganda. A diferença entre arte e design passa a ser abandonada e a propaganda é escolhida como forma de comunicação.

O novo é uma característica tão forte do movimento, que este chegou a defender a destruição de museus e de cidades antigas. Considerava a guerra como forma de higienizar o mundo.

artes

Criador de Minecraft lança novo game inspirado no teto de seu apartamento

Markus Notch, o criador do monstruoso game Minecraft, tirou um tempo de folga de suas estrondosas produções e acaba de lançar um novo joguinho baseado livremente em Super Hexagon, Fez e no acabamento do do forro do seu apartamento. O pequeno título é chamado Drop e foi feito para ser jogado diretamente do

 ACADEMIA X VANGUARDA

    Em geral, podemos pensar nos movimentos artísticos da cultura ocidental dividindo-os em dois grandes grupos:

Escola de Atenas - Rafael

  ACADÊMICOS

  
    Quando a produção artística segue regras ditadas por uma escola ou uma academia, de maneira alheia a novas concepções de arte, dizemos que se trata de uma produção acadêmica.
    As primeiras academias de arte surgiram na Itália, na cidade de Florença, no século XVI, e visavam manter a tradição do estilo de arte desenvolvido no Renascimento. Por isso, em geral, o termo academicismo é usado para designar escolas que cultivam um tipo de produção artística em que existe um compromisso grande com a representação da realidade e a ligação entre arte, ciência e filosofia.

Fernand Léger

VANGUARDISTAS

    Quando a produção e o pensamento de um grupo propõem uma nova visão para a arte, temos as vanguardas artísticas.
    Vanguarda é “aquilo que está à frente”. Vanguardistas são artistas que buscam inovar a arte e fazê-la avançar no tempo, ou mesmo adequá-la às mudanças de seu tempo.
    As vanguardas atuam de maneira semelhante à do universo político: geralmente possuem militantes ou seguidores e produzem manifestos, em que expressam suas propostas.

Artes =)

Pop Art

(Estados Unidos e Inglaterra, décadas de 1950 e 1960)

    Abreviação do termo inglês popular art (“arte popular”), Pop art não se refere a uma arte feita pelo povo, mas sim a um movimento de artistas que usava a cultura de massa como temática.
    Assim, produtos de consumo, propagandas, programas de TV e artistas de cinema tinham suas imagens utilizadas como matéria prima para obras de arte.

Artes

GIACOMO BALLA  pintor

A TÉCNICA DA REPETIÇÃO

Vida

Giacomo Balla nasceu em Turim, na Itália, em 1871. Em 1910 declarou publicamente sua filiação ao movimento futurista do qual se afastou em 1931. Morre no ano de 1958, em Itália.

Obra

O pintor italiano durante a sua obra tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas, sem chegar a uma total abstracção. Mesmo assim, mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas, com a situação da luz e a integração do espectro cromático. A sua formação académica restringiu-se a um curso nocturno de desenho, de dois meses de duração, na Academia Albertina de Turim, sua cidade natal. Em 1895 o pintor mudou-se para Roma, onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes.Cinco anos mais tarde, fez uma viagem a Paris, onde entrou em contacto com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou em várias exposições. Na volta a Roma, conheceu Marinetti, Boccioni e Severini. Um ano mais tarde, junta-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista.Preocupado, como seus companheiros, em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento, apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado.Dissolvido o movimento, Balla retornou às suas pinturas realistas e voltou-se para a escultura e a cenografia. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas, não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade, ou desintegração das formas, numa repetição quase infinita, que permitia ao observador captar de uma só vez todas as sequências do movimento.

artes: postagem 3

Principais Características das Vanguardas Brasileiras


Origem
A expressão começou a ser usada na década de 1860, por ocasião do Salon des Refusés (O Salão dos Recusados), onde os artistas excluídos do Salon de Paris estavam expondo.

Originalmente, e como muitos destes artistas estavam ligados ao movimento realista, a vanguarda estava identificada com a promoção do progresso social: o indivíduo ou grupo a ela ligado seria responsável por um movimento de reformas sociais. Com o tempo, o termo passou a ser usado também para referir-se a artistas mais preocupados somente com a experimentação estética (como as vanguardas do início do século XX, normalmente as mais associadas à expressão). De qualquer forma, sempre se manteve a idéia de um movimento artístico como um movimento político (composto por manifestos, militância, etc).


O advento do moderno
Costuma-se situar o germinar da arte moderna do século XX com os experimentos estéticos realizados por Paul Cézanne nas décadas de 1870 e 80. A percepção do espaço pictórico estudado por Cézanne é considerado um ponto de partida para a obra de diversos artistas vindouros e gera o início de linhas paralelas de evolução da arte européia.

Cada uma das vanguardas que surgiriam nas décadas seguintes interpretariam de formas diferentes esses estudos e os seguiria de formas diversas.


Movimentos vanguardistas
Como citado acima, o termo se aplica a qualquer movimento que proponha uma nova visão da arte. No entanto, costuma-se associá-lo principalmente aos movimentos ocorridos no período pós-Impressionismo e anterior à pós-modernidade. Nesse caso, costuma-se classificá-los em vanguardas positivas e vanguardas negativas, embora muitos movimentos (como os expressionismos) fujam a esta divisão.


Vanguardas européias
É o conjunto de tendências que, numa determinada época, se opõem às tendências vigentes, principalmente no campo das artes. Os textos seguintes registram alguns dos princípios fundamentais dos movimentos de vanguarda europeus do início do século XX. Cronologicamente, tais manifestações artísticas surgiram em torno da 1º Guerra Mundial, compreendendo o período que a antecedeu e o período que a sucedeu - quando então o mundo já se preparava para a 2º Grande Guerra.
Fauvismo (1905-1908)

Expressionismo (1905-1933)

Futurismo (1909-1914)

Cubismo 1907-1914)

Dadaísmo (1916-1922)

Surrealismo (1924)


Vanguardas positivas
Cubismo

Construtivismo

Neoplasticismo

Suprematismo

Abstracionismo

Concretismo



Vanguardas negativas
Futurismo

Dadaísmo

Surrealismo



No Brasil
Destaca-se a atuação de grupos como o Pau-Brasil e o Movimento antropófago, que se autoproclamavam vanguardistas. Várias tendências das vanguardas européias convergiram na Semana de Arte Moderna de 1922, ocorrida em São Paulo e tornada um marco no modernismo brasileiro.


Características
Busca do moderno, original e polêmico.
Nacionalismo em suas múltiplas facetas.
Volta às origens e valorização do índio verdadeiramente brasileiro.
“Língua brasileira” - falada pelo povo nas ruas.
Paródias - tentativa de repensar a história e a literatura brasileira.
A postura nacionalista apresenta-se em duas vertentes:
nacionalismo crítico, consciente, de denúncia da realidade, identificado politicamente com as esquerdas.
nacionalismo ufanista, utópico, exagerado, identificado com as correntes de extrema direita.

fonte: http://www.grupoescolar.com/pesquisa/principais-caracteristicas-das-vanguardas-brasileiras.html

artes: postagem 2

FuturismoO que é futurismo, características do futurismo, artistas futuristas, obras, futurismo no Brasil, vanguarda

Felippo Marinetti: o iniciador do movimento futurista

Introdução 

O futurismo foi um movimento literário e artístico iniciado em 1909. Foi Felippo Marinetti, poeta italiano, quem começou este movimento com a publicação do Manifesto Futurista. Ele fez parte da primeira vanguarda futurista.

Características do Futurismo:

- Desvalorização da tradição e do moralismo;

- Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico;

- Propaganda como principal forma de comunicação;

- Uso de onomatopéias (palavras com sonoridade que imitam ruídos, vozes, sons de objetos) nas poesias;

- Poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de velocidade;

- Pinturas com uso de cores vivas e contrastes. Sobreposição de imagens, traços e pequenas deformações para passar a ideia de movimento e dinamismo;

Futurismo na Itália

Foi em território italiano que o futurismo ganhou grande notoriedade. O fascismo italiano teve grande influência neste movimento artístico na Itália.Os principais artistas plásticos futuristas italianos foram Luigi Russolo, Umberto Boccioni e Carlo Carrá.

Futurismo na Rússia

O movimento futurista russo recebeu forte influência do socialismo, principalmente após a Revolução Russa de 1917. O grande expoente da poesia futurista russa foi o poeta Vladimir Maiakovski, que fez uma ligação entre a arte e o povo.

Futurismo no Brasil

No Brasil, o futurismo teve grande influência na produção artística de artistas ligados ao movimento modernista. Anita Malfatti e Oswald de Andrade entraram em contato com Marinetti e seu Manifesto Futurista. Muitas ideias e conceitos futuristas foram incorporados às obras destes modernistas brasileiros. Pode-se observar estas influências na Semana de Arte Moderna de 1922.

fonte: http://www.suapesquisa.com/artesliteratura/futurismo.htm

  

artes: postagem 1

                                                                            A arte

A arte em forma de pintura

A arte é uma forma de o ser humano expressar suas emoções, sua história e sua cultura através de alguns valores estéticos, como beleza, harmonia, equilíbrio. A arte pode ser representada através de várias formas, em especial na música, na escultura, na pintura, no cinema, na dança, entre outras.

Após seu surgimento, há milhares de anos, a arte foi evoluindo e ocupando um importantíssimo espaço na sociedade, haja vista que algumas representações da arte são indispensáveis para muitas pessoas nos dias atuais, como, por exemplo, a música, que é capaz de nos deixar felizes quando estamos tristes. Ela funciona como uma distração para certos problemas, um modo de expressar o que sentimos aos diversos grupos da sociedade.

Muitas pessoas dizem não ter interesse pela arte e por movimentos ligados a ela, porém o que elas não imaginam é que a arte não se restringe a pinturas ou esculturas, também pode ser representada por formas mais populares, como a música, o cinema e a dança. Essas formas de arte são praticadas em todo o mundo, em diferentes culturas. Atualmente a arte é dividida em clássica e moderna e qualquer pessoa pode se informar sobre cada uma delas e apreciar a que melhor se encaixar com sua percepção de arte.

fonte: http://www.brasilescola.com/artes/arte.htm

Artes: Wassily Kandinsky

Wassily Wassilyevich Kandinsky  (Moscou, Rússia, 4 de dezembro de 1866 - Neuilly-sur-Seine, França, 14 de dezembro de 1944) foi um importante pintor, teórico, músico e professor russo, sendo considerado o pioneiro da pintura abstrata.

Apesar de ter nascido em Moscou, mudou-se cedo com a família para Odessa, onde passou boa parte da infância. Formou-se em Direito e Economia, vindo a ser, inclusive, professor na faculdade de direito, e escreve sobre temas relacionados à espiritualidade. Seu interesse pela pintura surgiu a partir da visita à exposição dos impressionistas franceses apresentada na Rússia em 1895.

Viaja a Paris em 1896, decidido a dar início a seus estudos artísticos, com trinta e um anos de idade. Em Munique, considerada à época um dos centros da arte europeia, frequenta aulas de professores locais com Anton Azbe e Franz von Stcuk. As influências de Kandinsky naquele momento eram os franceses Gaugin, Nabis e Seurat.

Em 1901 funda o grupo de arte Phalanx, e cria uma escola de arte própria. Inicia um relacionamento com uma jovem artista, Gabriela Munter e divorcia-se de sua esposa, Anna Chimyakina. É nesta época que atingirá o ponto mais alto da carreira, desenvolvendo as rimeiras obras reconhecidamente abstratas. De fato, é esta necessidade interior de expressar as suas percepções emocionais que o leva ao desenvolvimento de um estilo de pintura abstrato, baseado em propriedades não-representativas de cor e forma, a chamada abstração lírica. Influenciado pelo impressionismo de Monet e pelo romantismo da música de Wagner, faz a apologia da força da cor, em que cada tela é “o teatro da cor”.Claramente espiritualista, tece a sua busca pictórica em torno da procura do próprio conteúdo da arte, da sua essência, da sua alma. As referências ao mundo exterior são, deliberadamente, inexistentes.

Em 1909, juntamente com E.T. Jawlensky, Kanoldt, Kulbin, Munter e outros, é co-fundador do Novo Grupo de Artistas de Munique (Neue Künstlervereinigung - MKUM) do qual é eleito presidente. Organiza algumas mostras de seus trabalhos junto com outros artistas locais, mas não obtém sucesso. Na ocasião da Primeira Guerra, volta à Rússia, ficando afastado da Alemanha até 1922, quando Walter Gropius, arquiteto alemão, que recém fundara a famosa escola Bauhaus convida Kandinsky para fazer parte do grupo de professores da instituição. Quatro anos depois, lança o seu mais conhecido livro, "Ponto e Linha sobre Plano" tratando da percepção que adquiriu sobre a arte.

Perto do fim da vida, acaba por deixar novamente a Alemanha e instala-se próximo a Paris, com o objetivo de lá passar seus últimos dias, mas continua pintando quase até o fim. Morre em Neuilly-sur-Seine em 1944, aos 78 anos.

http://www.infoescola.com/biografias/wassily-kandinsky/

Artes:Sandro Botticelli

Sandro Botticelli  (na verdade seu nome era Alessandro di Mariano di Vanni Felipepi) nasceu na cidade italiana de Florença, no dia 1º de março de 1445. Desenvolveu um estilo personalíssimo, caracterizado pela elegância do seu traçado e pela força expressiva de suas linhas. Muito valorizado atualmente, Botticelli está entre os grandes inovadores do Renascimento, e está incluído entre um grupo de pintores inclinados a um estilo baseado na delicadeza, graça e certo sentimentalismo. Um deles foi Filippo Lippi, mestre e inspirador da obra de Botticelli. Este começou sua trajetória artística com obras de temática religiosa.

Em 1470, Botticelli, que já tinha seu próprio atelier, conheceu a família Médice, mecenas florentinos, pros quais realizou suas obras mais famosas. Um primo de Lourenço, o magnífico, Pier Francesco de Médice, encomendou-lhe a alegoria de A Primavera e também, segundo consta, O Nascimento de Vênus e Palas e o Centauro.

Naquela época, foi uma grande novidade realizar obras com formato grande que não tivessem cunho religioso, isto se deve ao vínculo de mecenas com a filosofia neoplatônica, cujo caráter simbólico deveria reproduzir as obras encomendadas. Baseadas nelas foram formuladas diversas e complexas interpretações, que vão muito além de sua graça evocadora.

A esta mesma época correspondem também A Adoração dos Reis Magos e o Díptico de Judite, obras igualmente emblemáticas. O fato de que Botticelli foi convocado, em 1481, para ir a Roma para decorar os afrescos da Capela Sistina, junto com outros grandes mestres, faz supor que gozava de grande prestígio.

O Nascimento de Vênus

Quando voltou a Florença, provavelmente influenciado por Savonarola, realizou obras como a Natividade Mística (mais solenes e redundantes). A Botticelli também devemos belíssimos desenhos para um manuscrito da Divina Comédia de Dante.

Eclipsado pelas grandes figuras do século XVI italiano, Boticelli permaneceu ignorado durante séculos até a recuperação de sua figura e sua obra, na metade do século XIX. Seu estilo, de certa forma, perpetuou-se através dos artistas formados em seu atelier, entre vários podemos citar o filho de Filippo Lippi, Filippino Lippi.

http://www.infoescola.com/biografias/sandro-botticelli/

Artes:Paul Gauguin

Paul Gauguin nasceu em Paris, em 7 de junho de 1848. Quando tinha um ano de idade, seu pai, um jornalista político, embarcou com a família para o Peru, mas morreu na viagem. Entretanto, graças a pessoas ricas conhecidas de sua mãe em Lima, Gauguin passou os sete primeiros anos de sua vida naquele país, antes de voltar à França em 1855. Aos 17, Paul Gauguin entrou para a Marinha Mercante. Em seus cinco anos no mar, elevou-se ao posto de segundo-tenente e visitou o Panamá e o Pacífico, os lugares tropicais que sempre acompanharam seus pensamentos.
Em 1871, Gauguin retornou a Paris, onde um influente amigo da família conseguiu-lhe um trabalho como corretor de valores. Passou a década subsequente como um respeitável homem de negócios, casando-se com uma moça dinamarquesa, Mette Sophie Gad, com quem teve cinco filhos.
No início da década de 1870, Gauguin tornou-se um entusiasmado pintor de domingo e, em finais de 1876, já dominava suficientemente a pintura para que uma paisagem sua fosse aceita para exposição no Salão Anual Oficial. Entretanto, logo ele preferiu expor suas obras junto aos impressionistas, que eram ainda tidos como rebeldes inveterados. Trabalhando arduamente durante suas horas de folga, Gauguin adotou a técnica impressionista de pintar paisagens no próprio local, utilizando pinceladas curtas de pura cor para capturar os efeitos atmosféricos. Como seus grandes contemporâneos Cézanne e Van Gogh, considerava o Impressionismo um agente liberador, embora tenha acabado por dar origem a um estilo muito diferente.

Moça com Ventarola - 1902 Óleo sobre tela

Gauguin, sem dúvida, querida abandonar o mundo dos negócios e tornar-se um pintor profissional. O que fica menos claro é se ele o teria feito se não fosse o colapso econômico de 1882; no mínimo, sua má sorte financeira concedeu-lhe a desculpa de que precisava para começar uma nova carreira, na idade de 35 anos, como um artista em tempo integral.
Foram então anos de dificuldades. Mette foi morar com sua família em Copenhague, onde Gauguin também permaneceu por um tempo. Depois que ele partiu, os dois nunca mais voltaram a viver juntos. Em 1887, Gauguin fez sua primeira turnê artística nos trópicos, passando alguns meses no Panamá e na Martinica.
Forçado de volta à França pela malária e por pobreza, ele levou consigo telas vivas com cores novas e libertas de qualquer movimento artístico antecedente.
Contudo, o progresso artístico de gauguin foi ainda mais marcante durante suas visitas à Bretanha nos derradeiros anos da década de 1880, mostrando-se, nessa época, ainda remota e estimulantemente primitivo. Lá, ele começou a desenvolver seus estilo peculiar, com suas formas nitidamente delineadas e cores fortes. Seu estilo já estava definido em 1888, quando foi passear dois meses desastrosos em Arles em companhia de Vincent Van Gogh.

Auto-retrato de Chapéu - 1893-4 Óleo sobre tela

Em 1891, Gauguin já tinha se estabelecido como um líder entre os artistas e os poetas de Paris. Porém, ainda extremamente pobre, ele tomou a surpreendente decisão de se fixar no longínquo Taiti. O mais celebrado de todos os seus quadros foi pintado nessa ilha, e as imagens de uma simplicidade incorrompidamente primitiva tiveram um grande impacto sobre a imaginação ocidental. Embora Gauguin amasse as terras tropicais, a vida continuava dura, e em 1893 ele retornou a Paris, na esperança de que suas telas taitianas viessem a ser uma sensação e, por fim, trouxessem-lhe fama e segurança.
Após dois anos de decepções, Gauguin voltou para o Taiti, Já estava então doente, e seu mal foi agravado por uma condição sifilítica não-diagnosticada. Hospitalizado com muita frequência, engajava-se em trabalhos braçais e às vezes na política e no jornalismo locais. Sua produção artística era irregular; ainda assim, neste período produziu alguns de seus melhores quadros.
Em 1901, Gauguin retirou-se definitivamente da civilização que o intimidava, estabelecendo-se nas Ilhas Marquesas. Seu prazer nesse novo paraíso foi rapidamente estragado por sérios conflitos com as autoridades locais. Ele ainda estava recorrendo contra uma sentença de três meses por crime de difamação quando sua vida turbulenta foi difinitivamente cortada por um ataque cardíaco, em 8 de maio de 1903.
http://www.pintoresfamosos.com.br/?pg=gauguin

Artes

Diego Velázquez

(Espanha 1599-1660)

   Diego Rodríguez de Silva Velázquez pintou cerca de cem quadros, obras de grande valor. O seu naturalismo barroco permitiu-lhe captar, como ninguém, o que via. Atingiu um conjunto de conquistas que não encontraria semelhança até ao século 19. Altivo, inteligente, conhecedor da história da arte, retratista da família real, alcançou as honras de cavaleiro da Ordem de Santiago por sua fidelidade à Coroa.

   Os pais de Velázquez chegaram a Sevilha no final do século 16. Seu pai era um fidalgo de origem portuguesa e logo percebeu a aptidão do filho para a pintura. Velázquez teve como mestres Francisco Herrera, o Velho, e em 1610 entrou para o ateliê de Francisco Pacheco. Ali permaneceu por muitos anos, obtendo, em 1617, o diploma de pintor e, no ano seguinte, desposando Joana, filha de seu mestre.

   Nessa época, suas obras mostram influências do naturalismo de Caravaggio e Pieter de Aertsen. Em 1622 Velázquez foi chamado a Madri para pintar o monarca Felipe 4^o após a coroação, pois já eram famosas as suas obras "Velha fritando ovos", "Adoração dos Magos" e "O aguadeiro de Sevilha".

   Quando o pintor flamengo Rubens visitou a corte madrilena, o único pintor que desejou conhecer foi Velázquez. Os dois tornaram-se próximos e chegaram a viajar juntos. Rubens estimulou-o a viajar para a Itália, onde permaneceu de 1629 a 1631. Lá descobriu a escola veneziana, e estudou Ticiano, Tintoretto e Veronese. Pintou "A forja de Vulcano" e "A túnica ensangüentada de José levada a Jacó" (ambas as telas com a influência de El Greco).

   Regressando a Espanha em 1631, Velázquez deu início à sua fase mais produtiva. Para o palácio de Bom Retiro fez retratos eqüestres de Felipe 4^o e pintou "A rendição de Breda"(1634-1635). Em 1649 retornou à Itália em missão oficial, para adquirir peças para a coleção real espanhola. Antes de voltar a Madri, pintou o retrato do papa Inocêncio 10^o (1650), que lhe valeu celebridade internacional, e duas paisagens, ou seja, duas vistas da Vila Médici em Roma.

   Em Madri foi encarregado da decoração dos palácios reais. Nessa época pintou os retratos da rainha Mariana e da infanta Maria Teresa (que posteriormente se tornaria rainha da França). Por volta de 1655 pintou "As Fiandeiras" e, no ano seguinte, concluiu "As Meninas", composição que os críticos consideram sua obra-prima, síntese de seu realismo e de seu idealismo.

Artes

CALIGRAMA

Caligrama é um tipo de poema visual nomeado e popularizado nos primórdios das vanguardas históricas do século XX, que se expressa através de uma original disposição gráfica do texto escrito, formando uma espécie de pictograma e representando um símbolo, objeto real ou figura que é a própria imagem principal do poema. 

A partir do estudo desse tipo de poema ,passou-se a usar o termo para definir um texto escrito cuja "forma" pretende representar, seu design como complemento ao sentido.

Diferentemente de outros tipos de poemas visuais, como os produzidos pela poesia concreta, abstraindo-se da figura formada, é necessário que possamos compreender perfeitamente o texto resultante para que possamos classificar o poema como caligrama.

Da mesma forma, também o uso de quaisquer recursos figurativos que não pertençam ao mundo da escrita descaracterizam o poema visual como caligrama, cuja origem tem relação com "caligrafia" e ambos relacionados somente ao universo lexical da escrita.

Tendo antecedentes históricos desde a Antiguidade , quando ainda não se dispunha de técnicas para a multiplicação da informação, como a imprensa, o caligrama era simples, não possuía esse nome e, posteriormente, no século XVI, suas possibilidades de composição eram bastante limitadas em função das convenções que tornavam necessário o uso da pontuação e de maiúsculas no início de cada linha.

Sendo assim, fazendo uso de novas liberdades, permitidas por uma mudança das mentalidades em relação às artes e pelas novas técnicas produzidas pela moderna tecnologia, a partir do início do século XX é criado o conceito de caligrama.

Não se sabe ao certo em que momento do início do século XX o caligrama foi reinventado ou quem teria sido o primeiro poeta a usá-lo, mas o feito é frequentemente creditado ao poeta Guillaume Apollinaire, o primeiro a usar a palavra calligramme, em 1918. 

Seus caligramas, apesar de serem resultantes de uma mentalidade inovadora e impressos com recursos tipográficos avançados, para a época, e de representarem seu objeto de forma ainda objetiva, transmitiam sempre algo de subjetivo, sendo extremamente líricos.